El legado de Isaac Asimov

Isaac es uno de los grandes pilares de la ciencia ficción contemporánea, atribuyéndosele el merito de construir universos futuristas y lógicos. Pero uno de los grandes aportes de Isaac son las tres leyes de la robótica. Leyes que intentan modular el comportamiento de estos seres maquinales y a la vez complejos como cualquier humano.

Asimov creo una basta de colección de sagas, criticadas favorablemente por la creación de personajes únicos alejándose de los típicos clichés como el científico loco, el villano, megacorporaciones sin alma, etc. Es mas, convirtió un ser sin emociones ni sentimientos (el robot) en personajes  fundamentales para el desarrollo de tramas enteras en la mayoría de sus obras(Destacándose entre sí: Yo, Robot(1950) y El Hombre Bicentenario(1976)).

Si miramos a través de sus prismáticos notamos que los Robots son mas que simples trozos de acero y fusibles. Aquellos seres al igual que el ser humano son capaces de razonar y conocer el mundo que les rodea; en algunos casos crean relaciones interpersonales amistosas con otros humanos, siempre con buenas intenciones. En contraste a la visión humana que tras sus ojos ven a los robots como esclavos para beneficios económicos.

El paso generacional y la inmortalización

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Issac recabo un aspecto importante de la humanidad: la inmortalización de grandes personajes a lo largo de el transcurso de la civilización. Y es tal cual como lo oímos, Isaac supo aprovechar el formato de las sagas al trazar sus tramas con saltos temporales que pueden alcanzar de cientos de años hasta miles, causando que algunos de los personajes anteriormente leídos pasen a ser en el futuro, los ídolos de las masas y padres de ciencias.

De modo que el espectador se sentirá como un ente inmortal que observa minuciosamente el avance de la humanidad, y sera testigos de sus enfrentamiento contra los grandes problemas que acechan tras esta(La ultima pregunta(1956)).

El Humano y sus limitaciones

Baraka

En ocasiones, Isaac, critica la ignorancia de nosotros, como es en la saga fundación donde el ser humano se ha propagado por todas las galaxias, olvidando tras de sí la tierra.

No importa que tan elevado sea el avance tecnológico de nuestra civilización, siempre prevalecerán nuestras limitaciones: la ignorancia, avaricia, negligencia, egoísmo, etc. Y es curioso como Isaac puede transformar temas como la ciencia, los robots, el futuro y los humaniza, prácticamente humaniza lo inhumano.

Issac muestra como pequeños cambios surgen a partir del egoísmo de algunos o por la devoción de otros. Sus personajes no es que sean los típicos científicos filantropos que buscan solventar los grandes problemas mundiales, en realidad tienen mas facetas y fines de los que se cree .

Un claro ejemplo es Susan Calvin(personaje muy participe en Yo, Robot) que en su trabajo como robopsicologa se deja llevar por simples caprichos personales. Los grandes aportes que logro darle a la raza humana fue por ambición y amor hacia los robots. En algunas veces se describe como misántropa y se afirma lo anterior al saber que no engendro descendencia por su incapacidad de relación con su propia raza.

Blade Runner

Desde una manera objetiva la mayoría de las influencias y adaptaciones de los libros de Isaac Asimov no son malas. Muchas resaltan por plasmar los mayores aciertos de sus libros en un formato audiovisual. Blade Runner(1982) humanifica a los androides; Inteligencia Artificial(2001) intensifica las relaciones entre humano y robot; Robocop(1987) ademas de ser un buen film palomitero, plasma un mundo plagado de delincuencia y antivalores.

Pero el séptimo arte es intrinsecamente superficial. Y es que esta limitado por el presupuesto y la tecnología.

“Pero el séptimo arte es intrinsecamente superficial”

Los avances del CGI han reimaginado mundos literarios enteros; como es El señor de los anillos(2001) que con un balance casi zen pudo crear una excelente pantomima. Solo que estamos enfocándonos mas en la tecnología y dejamos atrás el componente humano, la introspección; el elemento que logro hacer Asimov, humanificar lo inhumano.

El séptimo arte padece de limitaciones severas en sus cintas de celuloides, tal como es la duración de estas. Un libro de cuatro horas no puede ser plasmado fácilmente en una hora y media. Por lo tanto muchas escenas suelen ser removidas, en especiales las que muestran las emociones de los protagonistas. Derivando en una simple trama por mas que lo intente. Aquí surge el estereotipo del nerd y la ciencia ficción como exclusiva para geeks.

Nerd

La desinformación de las obras de Isaac provoca que sea visto como un bicho raro que solo escribe para el mocoso del salón que se arrincona en una esquina a ensimismarse durante toda la clase. Este mal converge con los prejuicios que se tiene a todas sus obras y es llevada a su máximo esplendor con la recepción en dibujos animados, series y películas baratas. Es terrible como el trabajo de un gran maestro puede ser ofuscado por una gigantesca pila de excremento.

Los mejores films sobre la adolescencia

La dulce adolescencia… esa etapa en donde el hedonismo y el voyeurismo es común, las drogas son las nuevas golosinas, los hijos se rebelan contra sus padres, ¿es bello, no? Pues la verdad no vengo a responder la pregunta anterior. En realidad me acerco a ustedes para enseñarles las mejores películas sobre la adolescencia según mi opinión. Pues aun soy un puberto pero pronto ya dejare esta etapa atrás y antes de “madurar” deseo dejar una capsula del tiempo con los mejores contenidos sobre esta horrorosa etapa.

Ademas ¿Han visto las nuevas películas de Hollywood sobre la adolescencia? ¿No? Son basura. Los romances abundan y un sentimiento falso de grandeza se vende; una chica crea una revolución, el chico nerd se lleva a la porrista y un tirón de fantasías ilusorias mas.

 

Ferris Bueller´s Day Of

Ferris Bueller´s Day Off

 

Esta cinta no busca un retrato costumbrista de un adolescente, todo lo contrario. Ferries Bueller´s es un chico quien un día reúne a su novia y a su mejor amigo, saltándose toda autoridad posible. Esta cinta rompe la cuarta pared con ingenio y aumenta las risas. El alto nivel de superación de Bueller´s le convierte en la idealización platónica de toda vida adolescente; novia perfecta, amigo fiel, un flameante coche deportivo y el aprecio de todos sus conocidos, la verdad, ¿quien no deseara ser Ferris Bueller´s?

 

Breakfast Club

Breakfast Club

 

Breakfast Club es la mejor cinta adolescente de los años ochenta. Esta fue el film que atrevió a romper la barrera de los estereotipos. Cinco chicos son castigados y por consiguiente tienen que convivir un día juntos en detención. Pronto las diferencias formaran rencillas que distanciaran a los chicos hasta a finales del film; en ese preciso momento cada átomo de celuloide se transforma en oro, el nivel de desarrollo de personajes es uno presente nunca antes visto en ninguna película juvenil. Mientras que el desenlace puede tener una pinta de cuento de hadas aun no se le debe dejar atrás el merito de la deconstrucción de los estereotipos.

 

American Grafitty

American Graffiti

 

Mi vida es triste, la búsqueda por la libertad, los valores, las relaciones estables, es simplemente una perdida… Oye cállate, joder. Así es, American Grafitty olvida esos largos discursos de políticos contemporáneos. A cambio este busca las charlas espontaneas, típicas de los adolescentes.

Las canciones de Rock and Roll se agarran de la mano con los momentos cómicos que se forman a lo largo de el metraje. Todos los protagonistas son jóvenes que intentan disfrutar del momento con las típicas bromas y mas al saber que estos son sus últimos días de vacaciones por la pronta entrada en la universidad.

El final tiene un toque siniestro al reprocharnos en unos cuantos textos el final de nuestros protagonistas; algunos lograron madurar y llegar a la universidad mientras que otros murieron prematuramente.

Rebelde sin causa

Rebelde sin Causa

El film procreador del arquetipo del adolescente rebelde y de gran corazón. James Dean dio vida a el carismático personaje Jim Stark, rebelde sin destino aparente. Quien lucha con sus padres incomprensibles y la estricta autoridad de los adultos.

La gran mayoría de los personajes aparecidos no simples rebeldes sin causa, la verdad es que tratan de hallar un hueco en el cual desahogar las pretensiones y problemas de sus familias, forjando lazos entre si. Asemejándose a hermanos y hermanas. Y siempre recuerden ¡ Yo tengo las balas!

 

Donnie Darko

Donnie Darko

Jonnie Darko cuanta la estrambotica historia de un adolescente que padece de problemas mentales pero con dotes intelectuales quien es sorprendido por la visita de un conejo con rasgos humanoides que anuncia la próxima destrucción del mundo. Donnie Darko no toma la adolescencia como primer plano, pero aun así, toma en cuenta factores como el amor de un ser misántropo, el sentido de la vida y la estupidez humana.

Donnie Darko no es el típico metraje de amor en donde las pasiones exaltan a sus portadores y el mundo cambia ante ellos. El pesimismo se mantiene durante toda la trama, el que cambia es Donnie, quien una vez satisfecho con su vida, acepta su destino a grandes carcajadas. (Revisen en Internet el secreto que enmaraña la trama, quedaran boquiabiertos)

EL club de los poetas muertos

EL Club De los Poetas Muertos

 

Carpe Diem – Memento Mori (aprovecha el día – Recuerda que vas a morir). Son las frases que el Club De Los Poetas Muertos plasma como punto para desarrollar su historia. El Club De los Poetas Muertos relata la unión de varios estudiantes por un profesor poco ortodoxo quien siembra en ellos el germen del amor a la vida, la poesía y el arte. La fidelidad que comparten sera pronto arrebatada por el colegio opresor y los adultos, fanático de las posturas conservadoras y los métodos pedagógicos tradicionales.

El Club De los Poetas Muertos te invita a vivir la vida, a crear, a expresarte, a dejar todos esos miedos atrás, a dejar las formalidades a cambio del Romanticismo, no somos simples maquinas capitalistas, somos humanos.

Toma las rosas mientras puedas;

veloz el tiempo vuela,

la misma flor que hoy admiras

mañana estará muerta. (El Club De los Poetas Muertos)

Freaks And Geeks

Freaks and Geeks

Esta serie de televisión supera por creces todas las películas anterior nombradas. La profundización de personaje que se efectuó no se ha dejado superar por ningún contenido de otro medio. Sin pensarlo, se atrevió a tocar temas como las drogas, el alcohol, las fiestas, los rebeldes sin destino y aun así te encariñas con sus personajes a pesar de ser los jóvenes y raros.

Gracias al formato episodico y a la exploración de una selva de sorpresas como es la visión de estos dos bandos (los raros y los rebeldes) se pueden entrever tramas nunca antes vistas, dramatizandolas y algunas veces satirizandolas con cierta inocencia.

Y sin contar la variopinta banda(Cream, The Who, Van Halen, Lynyrd Skynyrd, etc) sonora que devoro el presupuesto de la serie, solo por el motivo de asemejar lo mas posible a la adolescencia en los años ochenta.

Casi todo el elenco de la serie tiene su participación y sus personajes suelen ser mas entes neutrales  antes que simples bosquejos de estereotipos tan repetidos por la sociedad actual.

Pero ¿esta serie es muy elitista, verdad? Pues a la mierda, cancelada por bajos rating. Sí, Freaks and Geeks tuvo que cerrar abruptamente todos los lazos entre los personajes puesto que fue cancelada, motivo de lastima puesto que se tenia planeado llegar a terrenos mas complejos como el embarazo en la segunda temporada.

A pesar de lo anterior Freaks and Geek queda como el mayor exponente de el genero juvenil y debe ser modelo para todo futuro contenido adolescente. Y junto al Club de los Poetas Muertos, esta es una de mis mejores experiencias delante de un televisor.

John Wick 2 [Análisis]

 John Wick en un principio fue una película que me agrado (tomando en cuenta que no conocía el cine de arte en ese entonces), sin entenderlo sentía satisfacción al ver sus sus combates, los cuales ignoraba el gran esfuerzo requerido; la falta de cortes producen un fuerte sentido de fluidez y realismo. Keanu Reeves (actor que da vida a John Wick) tuvo que practicar artes marciales y conducción de vehículos durante meses y no solo eso también las coreografías (escenas de combates) son practicadas múltiples veces con el fin de quedar a la perfección.

A pesar de mi gran amor hacia la cinta original el anuncio de una secuela me dejo indispuesto. Principalmente porque los arcos se habían cerrado; a John Wick se le vio arrebatado su auto y un perro, regalo de su fallecida esposa, de modo que se comprometió a cobrar venganza para así nuevamente recobrar la paz, sencillo.

Es entonces cuando la secuela incluye personajes y elementos no presentes en la primera parte, mejor dicho, forzado. En especial un pacto de sangre que hizo John Wick con un respetable mafioso italiano llamado Santino D`Antonio (Ricardo Scamarcio) lo que provoca que nuestro ex-sicario favorito vuelva al submundo del crimen organizado. Pero la pregunta tirante regresa, ¿por qué una secuela?

Expansión del Universo

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Toda secuela debe ampliar el universo y John Wick 2 se lo propone. En el primer film a penas pudimos conocer unos cuantos lugares que tienen repercusión en la secuela, en especial el hotel Continental que es espacio clave para el desarrollo de este nuevo film. A la vez el hotel sirve como punto seguro  y de encuentro para todos los sicarios sin importar las rivalidades pues dentro de aquel lugar  una sola norma lo rige, nunca derramar sangre en el Continental, de lo contrario se le revoca el permiso, perdiendo todo contacto con el crimen organizado. Este simple aspecto da oportunidad para situaciones peculiares, ejemplo: Un sicario va tras de ti pero antes de matarte te invita a una copa de vino como cortesía en el Continental.

La forma como es llevada el mundo de Wick es distinto. En la cinta antecedente el universo parecía como otro mas, un mundo con asesinos seriales, mafias, contratos, etc. Al contrario de ahora que se muestra el funcionamiento. En unas ocasiones se muestran como una serie de operadoras están en servicio todos los días de la semana con la función de  blanquear dinero, publicar contratos, vetar personas, etc. También el Continental tiene lazos con armerías ilegales, modisterías y servicios de protección corporal.

Ademas el toque definitivo que me encanto fue la demostración de la fibra sensible de Wick. Siempre Wick es el gato y los demás los ratones, todos son simples peones que caen tras sus ataques cuerpo a cuerpo o mediante el gatillo pero a partir de los tres cuartos de la película llega un punto de inflexión. Wick es un personaje inspirado fielmente en El bueno, el feo y el malo y otros Spaguethi Western en especial los de Sergio Leone, se presencia, Wick es un pistolero avezado y taciturno con un pasado casi desconocido que poco a poco se da a conocer mediante sus  extravagantes tatuajes  y su  imposibilidad por sobrellevar la muerte de su mujer. El intento por olvidar sus acciones pasadas no da ningún fruto y lo único que causa es un halo intenso de sufrimiento y muerte a su alrededor.

Esto contrasta con la mitificación de Wick al relacionarlo con su seudónimo “Baba Jaga” lo perfilan como un monstruo todo poderoso capaz de asesinar en parpadeos, un ser vil con un semblante temible, un punto de vista mas siniestro e irreal típico de las leyendas urbanas.

Después de todo, Wick no es mas que una persona débil presa de constantes problemas internos. Vacío por dentro y carente de paz.

Todo se ve acallado por la posible secuela que da a entender los últimos minutos de el film. La posibilidad de cerrar todos los arcos se ve mermada por los planes de marketing; es visible si se compara el presupuesto, que ronda por unos 40 millones, el doble que su antecesor. Y es por eso que se va a por lo seguro, cada quince minutos hay una coreografía y luego se avanza la trama, llega al punto que parece una catapulta de acción. Dejando todas las incógnitas para su sucesor y unos antagonistas que no superan el mero arquetipo, un error que ya padecía antes John Wick 1.

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He criticado brutalmente a Wick, pero ya debemos de darle una oportunidad. La verdad es que John Wick no se hizo famosa por la trama si no por la estética, las coreografías y los planos. La cámara permanece fija pero aun así produce un efecto de adrenalina y dinamismo sin caer en el falso truco del Shaky Cam que maquilla los efectos de un combate barato(técnica preferida en películas como Los Juegos del Hambre). Al momento de los enfrentamientos la cinta se desenvuelve ingeniosamente causando muertes memorables (el lápiz… ya me entenderán).

Los rascacielos envueltos en luces neón proliferan, las personas miran con caras discriminadoras y lo único que importa es el dinero y el poder. John Wick 2 intensifica esa atmósfera con una paleta de colores fría. A pesar de repetir escenarios como la discoteca antes vista en John Wick 1, solo que a mejor preparada, la escena tiene una mayor longevidad y esta mayor cargada, con mas extras y una música electrónica hipnotizadora. Chad Stahelski (director) y su equipo potenciaron la sensación futurista/moderna con cortes mas adelante, en el museo de cristal, productor de una de las mejores escenas en toda la película, con su ritmo sereno y en particular la colocación de la cámara.

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¿Entonces podemos tomar a John Wick 2 una cinta destacable? Tomando a consideración la acción, sobrepasa la mayoría de las películas palomiteras. Lamentablemente es imposible tragarse una trama tan forzada que convierte a media Nueva York en asesinos seriales altamente capacitados que se hallan en cada esquina. John Wick 2 simula ser una cinta mas profunda y pretenciosa sin embargo abandona toda esperanza para cerrar sus arcos con tal de crear una secuela. Vuelvo a mencionar la innecesidad por continuar la vida de Wick ya resuelta  hace un film atrás.

Por lo tanto lo único que nos queda es esperar la nueva secuela de Wick John, mientras estamos a bruces contra el suelo.

El dron y el cine

El boom de los drones esta cambiando nuestra cultura contemporanea y el modo de filmar de una manera sin precedentes. La gran popularidad creciente en el area domestica(videos caseros) y  comercial(anuncios de television) incrementa las ventas de susodicho aparato que tiene el poder para convertir cualquier vaga idea en un proyecto profesional y autentico. Es interesante como aun se utiliza no solo para el consumo de contenido audiovisual si no tambien para el espionaje, guerra, cartografia, exploracion, agricultura, etc. Este invento marcara un estilo propio de el siglo XXI. Pero basta de divagar y empezemos con el septimo arte y el impacto que causara el dron.

Con los grandes avances que trae consigo, el dron brinda una nueva vision sobre el cine y nuevas oportunidades para pequeños y grandes estudios. Específicamente en su versatilidad y gran control para grabar que puede perseguir a un sujeto u objeto con facilidad desde cientos o cinco metros de distancia. Por lo tanto se puede experimentar con nuevas técnicas, practicando con distintos planos o quien sabe quizás se puede simular el efecto de un traveling.

La filmación  panorámica es impresionante, solo cabe buscar en Google y Youtube algunos ejemplos filmados por personas comunes en sus tiempos libres. Es precioso el resultado y los sketchs producto de las nuevas técnicas.

Y como saben me encanta hablar sobre cifras, bueno, el dron reduce los costos pero a montón. En las grandes superproducciones de Hollywood es necesario el uso de un helicóptero y aviones para desarrollar el efecto que se desea, esto se ve mas común en películas de acción especialmente en persecuciones mayormente en  vehículos. Lo que suele generar gastos valorados en miles y miles de dolares; generalmente aumenta  dependiendo de la duración de la escena.

Las desventajas

No es un mito que se necesita de un piloto avezado para manejar  un dron y sobre todo para la creación de un film que consta de millones de dolares en presupuesto. Puesto que el piloto debe enfrentar a las limitaciones actuales como el retardo en los controles  y la velocidad de desplazamiento del dron.

Es entonces donde debemos esperar los siguientes modelos de drones que probablemente contrarrestaran las limitaciones establecidas y facilitaran el manejo de drones para todo el publico.

A pesar de los problemas no debemos de ver estas desventajas como algo crónico, en realidad deberiamos estar agradecidos por nuestra condicion actual y no por  la pasada. Miremos como era la tecnologia  en los albores del séptimo arte, nadie mas que los Lumière, Méliès y otros  tenían el poder para filmar y publicar films. En comparación a hoy día en donde podemos encontrar una cámara de vídeo incrustada en nuestro teléfono inteligente el cual utilizamos para publicar contenido en redes sociales como Snapchat, Instagram y Youtube, lugar donde residen millones de cortometrajes,  un hecho inconcebible en 1900.

Las nuevas innovaciones, avances e inventos han dado la oportunidad de pequeños estudios independientes para hacerse conocidos, como El Proyecto de la Bruja de Blair, aclamado por la critica y sumamente beneficioso monetariamente. Estas obras nos muestran las grandes ideas que faltan por venir; ya hemos visto una sátira sobre Hitler y el presente(Ha vuelto 2015). ¿Que mas vendrá?

Porque las películas basadas en videojuegos son mediocres

En los años próximos se avecinan un gran conjunto se superproducciones cinematográficas en relación a los videojuegos. Ubisoft prepara a Assasin`s Creed, Capcom, Resident Evil:The Final Chapter, Naugthy Dog su querido Uncharted; cada empresa ansía por saltar al séptimo arte. Pero cabe decir que todas no pasaran de la raya media o eso pensamos.

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Parece una maldición, es obvio que desde la aparición de la primera cinta que toma en base a un videojuego ninguna ha llegado a ser una obra destacable. Y si estoy en lo cierto, esto se debe en la diferencia de los medios. Los videojuegos hacen un gran enfoque en divertir al jugador(sea por los disparos u obstáculos) y sus creadores distribuyen los demás recursos en el diseño de niveles, banda sonora, modelaje 3D, marketing y en un ultimo lugar la trama. Por lo cual en la mayoría de las veces el resultado son personajes aborrecibles, giros predecibles y clichés( a excepción de algunos como Kojima).

Lo que realmente atrae de el videojuego es como interacciona con el jugador, este simplemente no necesita de cinemáticas aburridas para avanzar la trama si no mediante el entorno y como el jugador experimenta alrededor de este; es un constante cambio que muta con la progresión y la sensación de viaje, Half Life 2 demostró este potencial gracias a sus niveles con su propia personalidad y tonalidad(Ejemplo Ravenholm comparado a Ciudad 17).

La transcripción del medio

Ademas el guionista debe ser capaz de entender el universo del titulo y sus seres. A la vez se debe enfrentar ante el reto de los personajes creados debido a que estos fueron compuestos para ser simples marionetas del jugador y no para actuar entre si. Llega un momento donde simplemente no sabes que diría un personaje ni que barrera psicológica o física colocarles. Pensemos, ¿que hace Mario ademas de comer champiñones y matar Goombas? Son como un paquete de Lays.

Y con todos esos problemas aun nos queda un papel vital para un film, el director. Definitivamente juega un rol importantísimo puesto que el definirá las escenas, el tiempo, las actuaciones, iluminación, angulo, tomas y si no capta la razón por la cual el titulo es amado entonces el producto final sera un derroche de recursos.

La longevidad de un videojuego es increíblemente extensa(a partir de 15 horas) comparándose a un film que puede durar hasta tres horas pero en estos casos a penas superan la hora, de modo que similar a un libro el guionista tiene que encontrar los puntos claves de la historia e intentar demostrar una evolución de personaje pasiva y creíble.

A diferencia cuando se intenta transcribir un libro al séptimo arte se tiene que tomar en cuenta que su narrativa es mediante el texto y en prosa. Entonces es sumamente descriptiva, el cual da un abanico de ventajas al director para representar las escenas al momento de el rodaje. Y facilita el trabajo del guionista por el motivo que un libro posee una trama mas completa, al contrario de los videojuegos que es llana y sencilla lo que obliga al guionista a reinventar todo. O puede ser un arma de doble filo por la complejidad de sus personajes, si no se desarollan correctamente, entonces el film sera inferior al libro.

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Un ultimo punto recae en un elemento que es la principal causa de tan películas mediocres. No es mas que su publico, los jóvenes, adolescentes y algunos adultos. El publico poco exigente tolera todo tipo de obras con solo tener incluido el titulo de su videojuego favorito. Tal susodicho es el principal causante que permite hender a las obras atroces por el mar de dinero que provoca una saga de secuelas aun mas decadente obra tras obra.

Solo pensemos si tuviéramos el control de este sector, básicamente tendríamos el pulgar de Dios para justiciar obras de poco calibre con el fin de enviarlas al olvido del subconsciente humano. Las empresas estudiarían y diversificarían sus recursos para desarrollar un acabado resplandeciente, con mejores tramas, personajes, presupuestos; nadie seria tan osado ni retorcido para crear películas baratas palomiteras con humor de Sandler. Quizás en el mundo de las ideas de Platon exista esta utopía.

Frankenstein y la cultura popular

Oye, ¿te acuerdas de Frankenstein? Si, el típico monstruo horrendo que tras despertar de su sueño eterno un terrible sentimiento irascible cobra en si, la ira. Este arquetipo recibe una gran aceptación por el publico desde todos los medios; comics, películas, videojuegos, etc. Piensa, Frankenstein es tan popular que hasta tu mismo le conoces desde que no tienes memoria.

Que tal si te digo que en realidad Frankenstein es un ser inteligente y sabio, es tan astuto como cualquier ser humano sobre la faz de la tierra e incluso supera el intelecto de algunos. Ademas tiene grandes capacidades físicas; presenta una resistencia increíble y fuerza sobrehumana.

Frankenstein o el moderno Prometeo(el libro) es una obra que reflexiona sobre temas como la vida, muerte, esperanza, dolor, etc. Ya te preguntaras porque desconoces esta información.

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Antes de indagar mas en el tema hablare sobre Mary Shelley, quien escribió Frankenstein. Mary tan solo a los 21 años publico semejante libro, no es que sea su mejor obra pero a tan corta edad es fantástico lo que hizo, se nota que tenia pasión por la literatura. Ella participio en el movimiento del romanticismo, lo cual afecto a su manera de escribir y pensar; se enfoco mas en temas profundos y los conflictos internos del protagonista que en los giros, dejando así una obra original e innovadora en su tiempo.

A pesar de su obra sea cínica Shelley lo tiene muy justificado, su familia cayo en un hoyo de depresión. Sus hijos William Shelley y Clara Everina Shelley perecieron. Y para terminar, su esposo Percy Shelley murió ahogado en su velero. De modo que Mary con un gran pesar en la espalda reflejo su inmenso dolor y culpa en el texto, mas especifico en el protagonista.

También Mary nos brindo esta obra para que podamos conocer los peligros de la ciencia si le damos rienda suelta a si sin mas. Es obvio que la ciencia sin limites traería efectos devastadores e inmorales en la sociedad humana, échale un vistazo a los experimentos causados en humanos para ver a lo que somos capaces.

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La primera presencia de Frankenstein en el cine fue un corto fragmento en Frankenstein(1910). La obra seria de poco calibre por su tecnología rudimentaria pero marcaría el comienzo de una saga de películas basadas en el monstruo.

Al ver el primer film se nota algunas variaciones; el protagonista es mas un brujo que un químico, su falta de meticulosidad y la carencia de escenas por ser consideradas “repugnantes” muestran una total discrepancia en relación a la novela.

Los próximos films continuaran el legado de ese corto fragmento, distorsionando cada vez mas el mensaje que Mary Shelley dio a entender. Uno tras otro, obra tras obra, fue a mas no poder que inclusive hoy día encontramos remakes, parodias, secuelas, etc. Testimonio de lo anteriormente dicho esta El Joven Frankenstein(1974), Victor Frankenstein(2015), La novia de Frankenstein(1935).

Después de leer todo la obra te puedo dar mi opinión personal sobre el libro. No creas que es una obra mediocre como la mayoría de las películas que le rodean, esta brilla por si sola. Yo mismo esperaba peleas épicas, discusiones y quizás algunos toques de originalidad pero me sorprendió.

Frankenstein posee un mensaje atemporal que puede formar desde pequeños debates hasta a gran escala. En esta era de la digitalización la obra se puede mencionar en cualquier lugar. Por ejemplo cuando la clonacíon se puso aprueba el libro salio a relucir, probando que no podemos comportarnos como animales, de lo contrario, ¿para que tenemos el don de la razón ?

Mientras me adentraba en la lectura aveces tenia escalofríos por los problemas internos del protagonista, en un momento se empieza a dudar quien es el villano. La obra satisface a los amantes del horror y la ficción, también en sus momentos mas pasivos realmente se vuelve relajante.

Recapitulando lo anteriormente dicho, Frankenstein es un “must read” si realmente te gusta la literatura es recomendable echarle un vistazo. Un dato curioso, este libro es la primera obra de ciencia ficción de la historia, realmente es una lectura interesante.

Analisís los 8 mas odiados ( O% Spoiler)

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Quien conoce Tarantino ya estaría apostando por una película llena de acción con algunos cuantos diálogos y escenas épicas inolvidables. Y mas si ves el trailer, ya te lo estarías imaginando, un film western clásico, con  disparos, persecuciones a caballos, duelos, etc. Te cuento la verdad, el film no es como piensas.

Esta se basa en que un mercenario(Samuel L. Jackson), John Ruth un caza recompensas(Kurt Rusell), Chris Mannix(Walton Goggins) quienes llevan a una prisionera,Daisy Domergue(Jennifer Jason) se fuerzan a reunirse en la mercería de Minnie por las fuertes tormentas de nieve que impiden el paso hacia la ciudad Red Rock, en donde ejecutaran a la convicta. Cuando llegan hasta la mercería se toparan con Bob(Demian Bichir), un mexicano que cuida del negocio de Minnie, Oswaldo Mobray, el verdugo(Tim Roth) , Joe Gage, el vaquero (Michael Madsen) y Sandy Smithers, un general confederado(Brude Dern).

Les digo que Tarantino hizo que las primeras dos horas fueran plenamente utilizadas en el desarrollo de personajes que a mas tardar sustentaran la trama. En la sala del cine donde veía la película habían unas 30 personas y en menos de la mitad de el film se habían ido unas 10. No es por lo gore ni la violencia, todo lo contrario, por los diálogos. Obras como Kill Bill combinaban estos dos elementos haciendo cada palabra oro y peleas épicas como la batalla contra los 88 Locos, las leyes de la gravedad las rompíamos, ¿pero no era genial ver esos grandes movimientos? Estas personas pensando que hallarían una obra similar se vieron decepcionados por esperar tanto hasta la acción. Pienso que fue inteligente utilizar el desarrollo, pues mas adelante cuando comience le acción seremos recompensados, simpatizaremos con algunos personajes, entonces esta cobrara mas fuerza. Y si, el gore esta presente, las explosiones de cabezas exageradas las veremos casi al final de la película.

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Se me olvido decirles que tenemos toques de misterio en esta obra. Tarantino usa la repetitividad para darnos pistas y hacer que el espectador sea parte de el caso, algunas incógnitas son respondidas pero quedaran cabos sueltos. Siempre apareceremos en el mismo escenario; la mercenaria, pero no es para aburrirnos si no para que observemos, cada movimiento, las acciones, el escenario y si prestas atención incluso podrás descifrar algunas incógnitas antes que otros.

Y los temas como el racismo(la película se basa después de la guerra de Secesión), el honor, la incomodidad, se pierden  por el simple hecho de este error: “Muestra, no cuentes”. Los 8 mas odiados describe a sus personajes siempre mediante diálogos, nunca nos muestra un flashback, de modo que no sabemos si dicen la verdad o mentira. De vez en cuando las acciones caracterizan sus comportamientos y sus tonos de voz pero si buscamos mas allá, están vacíos. No hay casi nada que demuestren que sus palabras sean validas.

Ahora, veamos. El humor negro nos dará que decir en todo el film. Se pasa un poco de inapropiado en unas cuantas escenas. Por suerte no abusa tanto como otras películas. Si te encanta esta clase de humor, tendrás risas aseguradas. El director encargo a sus mejores actores, sus actuaciones no pasan de ser exageradas, están en la medida correcta y las ultimas escenas pueden considerarse las mas épicas o relevantes de toda la película, un poco patriota pero se siente esa liberación, esa venganza que tanto toca Tarantino en sus films. No es una obra maestra, solo que sin dudarlo si se convertirá en un clásico en el futuro.

Veredicto

Todo fan de Tarantino se sentirá cansado las primeras dos horas por la falta de sangre… De acción. Muchos abandonaran sus butacas agobiados de no ver ni un solo disparo. Mientras los que esperan disfrutaran de unas de las mejores escenas de acción de este año con una trama bien hecha. El humor negro, el misterio, sus personajes dejaran un sentido de satisfacción al que logro terminar de ver esta obra.

 Los ochos mas odiados  merece ser la octava película de Tarantino, su propia marca la ha dejado bien puesta. Si no te gusta… Bueno, Michael Bay te abre las puertas a su mundo.

La evolución de la comedia junto al cine

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Últimamente me ha interesado mucho la comedia del cine mudo, ver como las raíces de este genero eran en su inicio. Aunque muchos piensen que mirar una película de hace mas de 80 años seria un suplicio a medida que pasa cada escena, para mi fue todo lo contrario, la disfrute demasiado. The Gold Rush, Modern Times, Seven Chances, todas fueron interesantes, aunque algunas tenían sus bajas, no importa, es precioso ver como los directores creaban historias tan preciosas con un presupuesto tan bajo y recursos escasos. Ahí nació el cine, de las grandes esperanzas, ideas, pasión, amor y por supuesto la comedia.

Empecemos con las fundaciones del cine, el mudo, obviamente. La comedia estaba a manos de grandes comediantes como Charles Chaplin y Buster Keaton. Con la primitiva de la tecnología de 1920 cualquiera pensaría que fuera nulo crear una película. Charles pensaba diferente, intento experimentar en la filmación y aunque carecían de voces el supo que el peso de la comedia caería en las acciones del sujeto, también en la música tocada en vivo desde los teatros, que luego acompañaría los problemas que el protagonista enfrentaría, incrementando su importancia, fijemos nos en algunos de esos clásicos. Cuando un personaje comenzaba a hablar se escuchaba una melodía diferente, esta mostraba sus atributos y forma de ser, distinguiendo a los personajes, sin confundir al publico. A la vez al ser muda el espectador formulaba sus propios diálogos, estos comediantes eran visionarios.

La clase social alta daba por hecho que el cine estaba destinado a la clase pobre/obrera y no se le consideraba arte(como los videojuegos hoy en día). Realmente eran ignorantes, las grandes comedias no solo eran para causar gracia, expresaban situaciones como: La perdida de un hijo, la humildad, los problemas sociales, el amor entre dos personas, la esperanza , etc. ¿De verdad no es arte? El propio director dejaba su huella en su película, era su forma de ver la realidad, por eso Buster Keaton y Charles no filman igual, ni pensaban igual. Gracias al paso del tiempo se dividió el cine en dos partes, el cine de entretenimiento(el que solo desea divertir, no expresar un mensaje) y el de arte(todo lo contrario al anterior), victoria para la industria cinematográfica.

Para ese tiempo la palabra “cliché” no era tan popular como ahora. En todo inicio de cualquier medio las ideas brotan de todas partes, como si fueran flores. Toda idea era posible. Bueno,el cine tenia sus restricciones, los segundos de un beso eran contados de lo contrario cometías una infracción, al igual que la violencia, nada de decapitaciones, asesinatos viscerales, el medio era exigente. Esto ralentizaban el desarrollo de el sector, esta bien, tampoco podemos abusar, la mayoría de esas reglas se han disuelto con el pasar del tiempo.

La comedia sonora

THE WAR ROOM CONFERENCE DR. STRANGELOVE: HOW I LEARNED TO STOP WORRYING AND LOVE THE BOMB (1964)

Una vez pasada la etapa de la comedia muda los escasos recursos desaparecieron, con las voces las reglas se reescribirían, el humor inteligente crecería y los diálogos tomarían suma importancia en este genero. Se incremento el presupuesto por los aires, ahora todas las películas con el apoyo de Hollywood llegarían hasta el estrellato, o casi todas, Stanley Kubrick uno de los mejores directores de la historia nos mostró Dr Strangelove(1964), la sátira política perfecta, si no sabes del estatus político de aquellos años no entenderás nada, pero aun la banda sonora utilizada en las escenas encajan perfectamente haciéndola inolvidable.

Peter Seller, Cantinflas, German Valdes, etc. Fueron de los mejores comediantes en sus países originarios y hasta mundialmente, esto no se lograría si el audio no se hubiera inventado, las frases, diálogos y guion hicieron que transcendieran sin estos fueran otros mas del montón. Con este magnifico instrumento se elaboraron grandes comedias con tramas exquisitas, arco de personaje perfecto, clásicos.

No solo mencionemos el cine, las series de televisión han tenido su boom. Chespirito, uno de los mejores comediantes mexicanos triunfo por su serie el Chavo del ocho y El Chapulin Colorado. Mientras que la animación grandes como Matt Groening con los Simpson hizo escuela, lamentablemente al final se dejo llevar por el humor absurdo y las sátiras simples, perdió el amor con su creación. Hablemos de este ultimo, el humor absurdo.

Últimamente el humor absurdo se ha popularizando por todas partes. En realidad a veces uno quiere salir de la rutina, ver unas cuantas comedias tontas, divertirse con la familia y después continuar con su vida e interesándose en películas con mas calidad. Esta bien, pero, ¿que pasaría si las películas sin sentido y trama dominan el mercado de la comedia? No lo digan, es una realidad.

El maestro de lo absurdo, Adam Sandler en el comienzo de su carrera se notaba interesado por descubrir, explorar, estudiar, aprender nuevas formas de hacer comedia, el lo amaba. Tenemos un puñado de sus mejores: Punch-Drunk Love(2002), Happy Gilmore(1996), Big Daddy(1999), sabían mantenerse y Adam estaba experimentando, su penúltima aberración y experimento fallido fue Jack y Jill.

Cuando supo que su formula exitosa eran formar clichés y tramas simples para atraer a los adolescente y adultos, como los romances que se odian al principio pero al final quedan enamorados como por arte de magia mientras miran fuegos artificiales o algún escenario similar y  le encanta abusar del humor absurdo. Explota tantas escenas tan baratas como ver como a Adam le patean la entrepierna para provocar la risa del espectador. Con un poquito de suerte una de sus ultimas <<obras>> Pixel fue una catástrofe, pasando apenas los números verdes entre el alto presupuesto. Esperemos que aprenda la lección y estudie obras como Shaun of the Deads y el Joven Frankenstein, esas si merecen la pena.

Otra parte son algunas series que pecan de el síndrome Sandlers. Usan las risas enlatadas, no es que instantáneamente cualquiera serie que utilice las risas sean malas, es que da pena. Controlar los momentos cuando el publico tiene que reírse, forzándolas para intentar causar gracia. Cada persona es diferente, otros pensaran que es adecuado utilizarlas pero en mi perspectiva y de muchas personas es desagradable, es como si el guionista no tuviera mas nada que hacer y obligatoriamente tiene que usar ese elemento tan ridículo.

Opinión

La comedia ha decaído, no tanto pero se siente. Grandes comediantes siguen vivos: Jim Carrey, Rowan Atkinson; intentando cambiar y madurar sus chistes para captar la atención del publico adulto, creando nuevos personajes, hilando sus tramas, a la vez intentando mantener la comedia pura, con nuevos toques. Son humanos, de vez en cuando quedan en una película olvidable pero llega un momento donde vuelven a pararse e intentan volver a experimentar. Malas comedias, siempre existirán.

Y por esas personas que dieron su vida por su carrera, acuérdense de ellos en su memoria, Charles Chaplin, Robin Williams y los creadores de la primera cinta cinematográfica con el genero de la comedia, Louis Lumiére, sin el… El cine nunca hubiera nacido, un hueco existiría en todos nosotros.

Análisis Kung Fury

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Un policía adquiere poderes sobrehumano con todos los conocimientos del Kung Fu gracias a un fuerte impacto por un rayo que ha salido de la nada, con este poder se convierte en el principal héroe de la ciudad, Kung Fury(David Sandberg) nació. Protegiendo las calles de la gigante metrópolis con todo el ritmo de una película ochentera se topara con el peor enemigo de todos los tiempos,Adolf Hitler, tras tantos experimentos intenta encontrar la formula secreta para ser el mayor maestro del Kung Fu, desde entonces se nombro Kung Fuhrer(Jorma Taccone), si logra ser el mejor podrá llevar a cabo su maligno plan, controlar el mundo con sus poderosas garras letales de Bruce Lee. Kung Fury se aliara con toda clase de compañeros, un hacker con el poder de controlar el espacio y tiempo. Un policía triceracop, Thor el dios nórdico y otros mas, la pregunta es ¿ Lograra nuestro amado héroe Kung Fu estereotipado salvar el mundo?

Antes de entrar mas a fondo Kung Fury es un corto dirigido por David Sandberg(el mismo es el protagonista del film), apenas dura unos 30 minutos en la pantalla y no es por parte de la grande industria de Hollywood sino de el sector independiente. Se creo utilizando la plataforma Kickstarter, un proyecto mentalizado a la realización de un corto conmemorando los años ochenta, creando un film visualmente atractivo y una historia divertida bajo el genero de la comedia. El  presupuesto llego a los 630 mil dolares americanos, el producto final es absurdo y dependerá de quien vea la película si fue buena o mala. Les digo algo al menos GRATIS, al tener la plataforma Steam instalada en cualquier momento podrás acceder a la película, ni siquiera tiene publicidad.

Ríete del cliché

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Los clichés predominan en toda la película, de principio a fin. No lo malinterpreten, claro que es malo tener clichés en un film pero en Kung Fury nos reímos de ellos. El protagonista a parte de ser el elegido tiene lo típico de un chico “guay” y apuesto, tiene su amigo es un súper hacker que vive en su sótano, una pareja de lo mas candente. La misma película los reconoce y no le interesa pues toda esta trama no tiene sentido alguno. ¿Acaso alguien se tomaría enserio un ejercito de nazis expertos en Kung Fu? A quien le importa.

Dije que es un tributo a los años ochenteros, obviamente lo es. La música, forma de vestir, personajes, trama, árcades todo tomando en cuenta los ochenta. Series como Miami Vice influenciaron a Kung Fury visualmente, miren su filmación simula los colores utilizados en los VHS.

Humor absurdo

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¿Había que decirlo? En sus primeros momentos llegamos a ver como vuelan en pedazos a un auto con unas Uzi y explota. Las primeras vistas en la ciudad nos muestra ese estilo de 1980. Pero luego cambia de escenario a las tierras nórdicas, aquí cambia el rumbo el barco. Cada vez que subimos por la colina del clímax el humor aumenta a ritmo cardíaco. Aquí se pone mas pesado, algunas personas no tolerarían tanta “idiotez” y la opción de pasar a el punto de encuentro a las tierras nórdicas es ridículo. El film se basaba en los ochenta, no en un paisaje rural. Y empieza a perderse aun mas durante el resto del largometraje.

Veredicto

Kung Fury dependerá de quien lo vea, sus efectos especiales son destacables, pero quienes aman una historia bien hilada les costara bastante digerir toda la película. David Sandberg extrajo todo el jugo a su limitado presupuesto, menos en el guion.

Lo he recitado, es un corto de 30 minutos, es totalmente gratis y tiene sus puntos positivos. Si fuiste una persona que se levantaba cada mañana a ver Miami Vice, Equipo A, MacGyver , jugaste con maquinistas arcade , amaste esos años y te gusta el humor absurdo, entonces desde luego  amaras esta película.

Análisis El Renacido

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Leonardo Di Caprio toma el rol del trampero llamado Hugh Glass el cual esta fuertemente herido después de ser ataco por un oso grizzly y abandonado deberá sobrevivir en medio del invierno en el salvaje Oeste de Estados Unidos. Sin rastros de la civilización el uso de su conocimiento sera vital en contra de las tribus indigenas hostiles y los animales que le rodean.

Esa fue la carta de presentación de Alejandro Gonzáles(el director). La critica esperaba con ansias su nueva obra, ya que su anterior film Birdman gano grandes premios como la mejor película, director, guion. Y su uso del plano secuencia ademas de sellar su estilo inscrito en la película demostraba fluidez. El plano secuencial es un trabajo pesado, la coordinación del equipo requiere de ser exacta, un solo fallo en cualquier área(sea iluminación, filmación, actuación) de la película desecharía horas de grabación. Sin embargo Birdman alcanzo el éxito.

¿Captaron la expectación? Así mismo lo sentía la critica, hace varios meses.

Plano secuencia 

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Si elegimos cual es la mejor escena entonces seria la primera. Una batalla entre dos bandos, los nativos contra los exploradores. El uso del plano secuencia al igual que Birdman enseña la fluidez de la batalla, los disparos, las flechas, los golpes, asesinatos, sangre, llega a desorientar al espectador, tal cual como si fuéramos testigos de la masacre que ocurrió ese día. Unas cuantas escenas después la utilización de es plano se reduce, no es malo, pero se pierde la acción y el sentimiento que quiere transmitir, la supervivencia.

El Renacido intenta tocar temas como el racismo hacia los nativos, la familia, el abuso, costumbres, los cambios políticos y sociales que sufrió Estados Unidos, es tanto que el film se pierde, en vez de elegir unos cuantos y profundizar el tema prefirieron eligir demasiados pero se desarrollaron a medias, había una gran oportunidad para escoger nuevos caminos, transmitir información, la vida mundana de otras culturas ya extintas, sus ideologías, religiones, al final nos tendremos que conformar con el producto.

¿Personajes o atmósfera?

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El balance entre el desarrollo de personajes y la atmósfera es fatal. Su protagonista tiene unos cuantos diálogos y sus personajes secundarios no se desarrollan tanto. Aunque esta compensada con la atmósfera, me atrevo a decir que es una de las mas realistas del año pasado y el maquillaje utilizado en los moretones  cicatrices y suciedad  es de lo mas acertado posible, como dijimos antes los personajes son los afectados exteriormente(problemas,peleas,etc) e incluso algunas veces internamente(crisis emocionales),esa ultima se ve muy poco.

Hasta el mismo protagonista no sabemos casi nada de su pasado, unos cuantos flashback y eso que es un personaje histórico, Glass existió, vivió y murió, se hicieron leyendas por sus hazañas, era famoso. Contando los personajes secundarios algunos son cebos que simplemente esperan su muerte, se nos dan a conocer muy poco y Puff murió, esta falta de interés es peligrosa, el publico empieza a aburrirse y yo mismo tenia ganas de apagar la televisión.

Alargamiento innecesario

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¿Se acuerdan de The Everest? El film era de una cocción lenta, bueno, este es aun peor, a comparación de The Everest nos mantenía constantemente aprendiendo sobre sus personajes y lograba que el publico soportara esas largas escenas, El Renacido es todo lo contrario. En medio de la película Glass se encuentra perdido en el bosque y al unisono el film no sabe con que rellenar esas escena. En lugar de cortar la película dejando los momentos mas relevantes decidieron incluir todas las escenas y hacer un film mas largo y mas  aburrido. El director estaba indeciso y se nota que no tenia un objetivo claro o un mensaje para expresar al espectador.

También usaron personajes que solo sirvieron para avanzar el guion, ¿No se les pudo ocurrir una mejor idea? 150 millones de dolares en presupuesto y lo utilizaron en todo el director artístico, es el mismo error que comete Star Wars casi siempre.

Buena actuación

THE REVENANT

Leonardo DiCaprio añadió a la película una actuación espectacular, el guion puedo estar mal escrito pero eso no impide que el actor le de vida a la película, ya sucedió en el Día de la Marmota(Atrapados en el Tiempo 1993). Leonardo se lucio, interpreto todas las acciones y gestos como alguna vez las hizo Hugh Glass, el mismo declaro que fue una de las producciones mas difíciles en toda su carrera.

Hugh Glass es famoso, en su época lo fue y actualmente aun lo es. El Renacido no es la primera obra que utilizo la vida  de Hugh Glass como protagonista. A Man in The Wilderness(1971), no es una obra maestra, es un clásico western que bebe de la fuente de esa figura historia y lo mejor, no se extiende demasiado, solo dura 1 hora con 45 minutos, El Renacido 2 horas con 36 minutos y tiene  pocas escenas relevantes.

Veredicto

El Renacido siendo la película mas esperada del año 2015 resulto en una decepción, Alejandro Gonzales no llego a la altura de Birdman. Con un guion que se alarga si ningún motivo, personajes olvidables y temas superficiales hacen de El Renacido una película aburrida y simplona. Es compensada con la actuación de Leonardo DiCaprio, la fotografía, el plano secuencial y el retrato de el Oeste Estadounidense. Verla o no verla queda a criterio del lector.

De hecho este año es el de la supervivencia, The Martian, The Everest, The Revenant; tienen una similitud, sobrevivir en un entorno hostil.